Entrevista a Richard Martín, ¿El curvismo, un antídoto a la deshumanización?

El mundo está atravesando una profunda transformación, sea desde un punto de vista material, social, económico, espiritual y científico. Ahora bien, ¿cómo podemos acompañar este cambio y darle sentido? ¿Cómo queremos vivir personal y colectivamente? Cómo podemos tender hacia la construcción de economías y sociedades más sostenibles, inclusivas y equitativas?

Hoy me gustaría abordar con Richard Martín, el papel esencial del arte, y más precisamente de la pintura en nuestras vidas. Artista español nacido en Zürich, la vida y la obra de Richard discurren en una constante búsqueda de equilibrio entre su parte racional y su parte creativa debido a su doble cultura. Tras varias carreras de Comunicación, Diseño y Arte y Matemáticas, la actividad de Richard abarca diferentes ámbitos: pintura, fotografía, diseño gráfico, gravado, producción audiovisual y, puntualmente, realiza seminarios de creatividad.

Más de tres meses después del desconfinamiento, seguimos sin tener datos precisos pero al ámbito cultural es uno de los sectores más afectados de la economía española. Al igual que en las sociedades antiguas, ¡deberíamos poner especial atención al arte, la creatividad, la belleza y considerarlos como necesidades¡ En efecto, constituyen una manera de seguir conectados con nuestros deseos profundos, con las energías de nuestro ser interior con el fin de poder expresar una visión personal y de comunicar sentimientos, testimonios, experiencias… Sin la música, la pintura, la literatura, la danza, el teatro, la poesía, somos seres incompletos y nos es imposible acceder a aquella fuente insondable de vida, de alegría, de sentido. Aunque el arte sea reducido, a menudo, a fines materialistas, es mucho más que esto, de ahí la importancia de cultivarlo en nuestro cotidiano.

En el mundo del arte, hay una plétora de imágenes arquetípicas, -el concepto de inconsciente colectivo fue desarrollado por Jung a mediados del siglo XIX y abarca una serie de imágenes, símbolos y experiencias psíquicas heredados y compartidos por todos los seres humanos-, y Richard tiene la capacidad de penetrar en esta dimensión suprapersonal para canalizar este sistema psíquico impersonal y universal. A raíz de sus propias experiencias, consigue crear puentes entre su inconsciente personal y el inconsciente colectivo, ofreciéndonos una multitud de mensajes que nos conmueven o remueven pero que nunca nos dejan indiferentes. Sus pinturas crean un lenguaje artístico universal, una comunicación entre todos porque parten, paradójicamente, de su singularidad. En su obra, se decanta por el curvismo¹, cuya esencia es profundamente femenina y asociada con la naturaleza, la vida, la plenitud, la completitud y la armonía. Un lenguaje que revela lo invisible y nos permite reconectar con el mundo del misterio para iniciar una transformación, a la vez individual y colectiva, y «fusionar» con el Todo en una gran hermandad.

¿Cuándo nació tu pasión por la pintura?

Nació hace tiempo. Recuerdo dos instantes muy concretos y muy próximos cuando tenía alrededor de nueve años. El primero, como era tan buen estudiante repetí curso y allí estaba en el primer día de clase sentado al lado de la puerta, mientras la profesora Sinda hablaba… Desconecté y empecé a dibujar un árbol, era un árbol antiguo, vivo, lleno de rugosidades. El tronco tenía un agujero negro, no me sentí muy cómodo con esa parte del dibujo. En cambio, en sus hojas estuve largo tiempo y recuerdo que eran pequeñas y densas. La tierra que se le acercaba al árbol era abrupta, fértil y sinuosa. De hecho, no recuerdo si lo había visto en algún lugar. Simplemente dibujaba y surgió. Es una imagen que está fija aún en mi memoria.

El segundo, fue un déjà vu. En la clase era hábil con las manos y jugábamos a ver quién aguantaba más tiempo dibujando con el bolígrafo solo sujetándolo por el capuchón. Mis amigos lo cogían y duraban instantes y poco más hacían una recta. ¡En mi caso, solo dibujaba curvas! Fue entonces cuando pensé que algún día la curva iba a ser la pieza en mi vida.

¿Podrías explicarnos las distintas fases de tu proceso creativo?

He de confesar que uno podría decir: defino un tema, preparo una composición y escojo una paleta. Y, en cierta manera, es así, pero luego cada fase genera otro planteamiento y otra pregunta en la obra: ¿hasta dónde hay que seguir?, ¿la técnica es necesaria?, ¿es determinante?… Diría que es una combinación de técnica y creatividad.

Si todo fuera lineal y académico no habría muchas diferencias entre nosotros. La mayoría de los estilos pictóricos, como el impresionismo, el expresionismo, o el cubismo nacen al romper la linealidad de forma y pensamiento. Tal y como decía Ken Robinson ², el aprendizaje no es lineal sino orgánico.

En mi caso, el aprendizaje es una herramienta. Pero una vez determino algunos puntos de la obra, intento no pensar, buscar más allá y que aflore lo que mis manos expresan a través de la pintura. Recurro muchas veces a escuchar música como Ennio Moricone porque me permite conectar con mi yo profundo. Llorar y reír es parte de la vida y creo que esto debe quedar reflejado en la obra. Intento que la obra me traspase y haga una radiografía del inconsciente.

¿Qué te permite expresar y plasmar este lenguaje artístico basado en las curvas?

Creo que todos estamos conectados de alguna forma que no sabemos y la curva en toda su diversidad tiene un papel importante. Podemos destacar, por ejemplo, la curva de la felicidad, la curva del crecimiento, la curvatura del universo, la curva de Fibonacci o proporción áurea. El curvismo busca la suma de expresión y sentimientos mediante líneas curvas e infinitas que se entrelazan con todos los elementos orgánicos o no orgánicos que aparecen en la obra y buscan esa conexión entre todo lo que nos rodea incluido nosotros mismos.

¿Qué te inspira esta frase de la analista junguiana Jean Shinoda Bolen ³: «En el círculo no existen jerarquías y eso es igualdad, así se comporta una cultura cuando escucha y aprende de cada uno de sus integrantes. Compartiendo la sabiduría de la experiencia, las mujeres del círculo se apoyan mutuamente y se descubren a sí mismas a través de las palabras»?

Un círculo no tiene principio ni fin y además comparte entre todos uno de los números irracionales más importantes del mundo, el número Pi. Un número irracional es aquel que no se puede expresar como una fracción de la misma manera que no creo en la división entre hombres y mujeres y sí en la igualdad. Pi es lo cercano a la igualdad. Tal vez es el espacio donde deberíamos estar todos sea cual sea nuestra condición humana.

¡Por cierto, un círculo es una superficie delimitada por una línea curva!

¿Tu exploración es una forma de interrogarte sobre la esencia del ser humano ?

Curva, color y semiótica (ciencia o disciplina que se interesa por el estudio de los diferentes tipos de símbolos) forman una trifuncionalidad que me permite explorar la esencia del ser humano: cómo vivimos, estamos, nos relacionamos, crecemos o queremos.

Desde el punto de vista formal de la composición, intento que el espectador vea la globalidad del cuadro desde lejos antes de acercarse y encontrarse con un sinfín de mundos y espacios para su imaginación. Al igual que para las ilusiones ópticas, nuestras percepciones visuales dicen mucho sobre nuestra forma de ver el mundo, no es un hecho objetivo. La información que vamos percibiendo a través de nuestros sentidos se transmite al cerebro y luego, en función de nuestro estado de conciencia, interpretamos lo que vemos de una forma u otra. Cada espectador dota de sentido el cuadro que contempla en función de su arquetipo, heredado o trasmitido. Es decir, que la persona ve en la obra una parte de su identidad

En la obra hay un esfuerzo en deconstruir de forma racional para después volver a construir de forma irracional y en mantener el continente pero cambiando el contenido a través de un proceso desprovisto de razón.

Nuestra época es eminentemente visual. Las imágenes son un modo de comunicación a la vez utilizado por la naturaleza y el inconsciente y permiten demostrar que nada está fragmentado sino unido…

Acerca de este tema, la teoría de Gestalt ⁴ -término alemán que significa «forma», «totalidad»- es aclarecedora porque que explica cómo percibimos visualmente lo que nos rodea y cómo la descodificamos en función de nuestras necesidades, no de manera neutra. Los signos y símbolos son tan anclados en nuestra realidad que ya no reflexionamos acerca de su origen. Pero un símbolo, palabra que viene del griego symbolon, es lo que nos une con el mundo invisible y nos conecta con los mensajes del inconsciente con el fin de reunir los diferentes niveles de realidad.

La belleza y la fealdad en el arte…

Parecen términos simples, pero detrás de ellos filósofos y artistas nos preocupamos mucho. De hecho, mientras pinto un cuadro pregunto a menudo a mi entorno inmediato qué sensación le produce y si estéticamente es feo o bello. Aspiro a crear obras transgresoras y provocativas pero siempre de manera agradable para poder crear más armonía y suscitar más reflexión en la persona que lo contempla. ¡También me encanta dejar enigmas por descubrir!

Me inspiran mucho los libros de Umberto Eco sobre esta temática, Historia de la belleza e Historia de la fealdad, ya que me hacen reflexionar mucho sobre el comportamiento humano, símbolos y arquetipos que compartimos como humanos.

¿Qué papel pueden desempeñar el arte y la creatividad en el periodo de transformación actual?

Estos días hemos se ha apagado una luz muy inspiradora al respecto, Ken Robinson; puso de manifiesto el papel esencial de la creatividad en el sistema educativo. Es innegable que la creatividad es presente en todo lo que nos rodea, desde la silla donde estamos sentados hasta el móvil que sostenemos en la mano gran parte del día. Utilizamos constantemente criterios artísticos en nuestro día a día, desde la elección del color de la ropa que llevamos hasta la expresión de nuestra sensibilidad por ejemplo. Arte y creatividad comparten un denominador común: es un camino de aventuras hacia un lugar desconocido. En los seminarios que realizo sobre arte y creatividad, intento explicar que la expresión artística es un vehículo hacia la autoconfianza y el autoconocimiento.

¿Cómo fomentar el desarrollo del hemisferio derecho y el crecimiento emocional?

Hoy en día miramos el mundo a través de una pantalla. El multitasking –o el arte de cumplir varias tareas a la vez- es un hecho. Pienso que estamos perdiendo esta conexión visual con los que nos rodean y con nuestro entorno. En cambio, la creatividad y el arte permiten trabajar con la imaginación tanto de forma individual como colectiva.
La creatividad y el arte se pueden aprender a cualquier edad, pero es necesario romper con la idea de que hay que tener un don innato. Las personas somos creativas por naturaleza. Arte y creatividad serán la piedra angular en un mundo cada vez más tecnificado.

Un buen lugar para fomentar el crecimiento personal, la autoconfianza y el autoconocimiento es la escuela. La educación artística es la formación holística del individuo y es esencial en el desarrollo integral de todos (profesores y alumnos) … ¡y durante toda la vida!

El arte una herramienta pedagógica al favorecer otra manera de aprehender el mundo…

Sí, el arte es una gran herramienta, permite aflorar la parte más interna de la persona. Pero el tándem «juego y arte» aún lo puede ser más, ya que fomenta placer y expresión. Cuando pintas algo puede ser para entretenerte o divertirte pero en el fondo estás jugando y disfrutando y este el punto de partida para iniciar otros procesos. Alcanzar un estado de calma y de alegría abre tu mente y tu corazón. Todo fluye en este estado y todo se vuelve fácil y natural.

¿La pintura como terapia?

Cuando somos pequeños en el fondo todos queremos ser iguales y a medida que crecemos queremos recuperar nuestra identidad y por lo tanto reafirmar nuestra singularidad y reivindicar nuestras diferencias.

La arteterapia es una herramienta muy potente, una técnica de desarrollo personal de autoconocimiento y de expresión emocional mediante otro lenguaje como son las artes plásticas. Y a medida que expresamos nuestra individualidad sin prejuicios nuestra autoestima crece, ya que nos permite explorar nuestra naturaleza profunda.

¿Qué consejos darías a personas que quieran empezar a desarrollar y explorar sus capacidades artísticas?

En primer lugar, les diría que la capacidad artística es una parte de nuestra naturaleza humana. Que erróneamente tenemos pensamientos como: «yo no sé dibujar bien», «no sé cantar» o «no tengo sentido artístico» … una lista interminable de autolimitaciones que nos pueden frenar. Por favor, ¡olvidad esos pensamientos si los tenéis! El arte como tal permite expresarse en todos los sentidos y es una gran aventura. Si no tenéis claro lo que queréis hacer, solo tratad de pensar cómo os divertíais cuando erais pequeños sin pensar en si lo hacíais bien o mal. ¡Sólo disfrutadlo!

¿Compartes la afirmación siguiente de Kandinsky: « el arte en su conjunto no es una vana creación de objetos que se pierden en el vació, sino una potencia que tiene un objetivo y que debe servir a la evolución del alma»?

Sí, Kandinsky dijo también: «toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos». La contextualización de una obra es importante para entenderla en su globalidad. Un pintor o pintora vive en una época determinada y expresa mediante la pintura su voz interna, su capacidad de sentir y pensar de forma auténtica pero plasma también la época a la que pertenece. No me imagino que la evolución del alma sea no sentir o no pensar aunque la situación actual tienda hacia una sociedad desposeída de cierta humanidad. Mi obra Ciudad en movimiento refleja esta evolución a nivel individual y colectivo pero sigo siendo optimista.

Algunos elementos de tu pintura remiten al mito de Narciso pero no en su lectura psicoanalítica. El mito de Narciso es, ante todo, un mito de despertar, de autoconocimiento: Narciso supo convertirse en sí mismo, en una maravillosa flor, porque fue hasta el final de su singularidad para crear una obra universal. ¿Consideras la expresión artística como una dolorosa búsqueda de la identidad?

Cuando pinto, a veces «sangro»y siento dolor. Surge una herida infectada que necesita ser sanada. Pero el hecho de pintar y de crear me lleva a una liberación. Espero que este proceso catártico pueda ayudar a otros desde la humildad y la compasión.

Necesito este contacto con el inconsciente y dejarme «atravesar» por él para manifestar la parte más primitiva de mi ser y así compartir mi arquetipo con otras personas a través de este inconsciente colectivo que nos une como humanidad.

1. El curvismo busca la interconexión de la naturaleza en su globalidad mediante el proceso creativo inconsciente del arte. La sintaxis de la curva como lenguaje pictórico con la mirada al informalismo, al surrealismo, entre otros movimientos y el interés de Jung sobre el inconsciente colectivo en que los seres humanos compartimos mediante las experiencias reales, imaginarias o oniricas. Es una aventura interior diferente para cada espectador.
2. Doctor en Filosofía, escritor, conferenciante, Ken Robinson (Liverpool, 1950 – Los Ángeles, 2020) fue y un líder de reconocido prestigio internacional en el ámbito del desarrollo de la creatividad, la innovación y los recursos humanos. Dedicó su vida a advertir que el sistema educativo era una máquina que destruía la creatividad de los niños. Defendió con pasión e ingenio la importancia de las artes en un sistema educativo que considera disciplinas como la música, el teatro y la danza asignaturas menores. Es el autor de los libros El Elemento (The Element, Grijalbo, 2009), Busca tu elemento (Out of our minds, Empresa Activa, 2012), Encuentra tu elemento (Finding your element, Conecta, 2013) y Creative Schools (Viking, 2015)
3. Jean Shinoda Bolen es doctora en medicina, psiquiatra, analista junguiana, así como escritora y conferenciante internacionalmente conocida que extrae fuentes de experiencia de la espiritualidad, el feminismo, la psicología analítica, la medicina y lo personal. Esta frase es un extracto del El millonésimo círculo: Cómo transformarnos a nosotras mismas y al mundo
4. Para la Gestalt, el ser humano organiza sus percepciones como totalidades, como forma o configuración, y no como simple suma de sus partes. De allí que lo percibido pase de ser un conjunto de manchas a convertirse en personas, objetos o escenas.